la Becque
Résidence ECAL & EXECAL

Résident à La Becque - Semestre d’automne 2026

Fabien Cappello (Paris, France, 1984) dirige un studio de design de mobilier et de produits basé à Guadalajara, au Mexique.
Le studio s’attache à proposer des solutions matérielles adaptées et judicieuses pour concevoir des produits en édition limitée ou illimitée, ainsi que des espaces publics et privés. Le studio a réalisé des interventions tant permanentes que temporaires pour des institutions culturelles, notamment le Museo de Arte de Zapopan (MAZ) à Guadalajara, Lago-Algo à Mexico et le MAK Center for Art and Architecture à Los Angeles. Fabien Cappello a également collaboré avec des marques internationales telles que HEM à Stockholm et RAD Furniture en Californie, ainsi qu’ avec des clients tels que Ginza Six à Tokyo, la collection Arndt à Melbourne, le Coachella Valley Music and Arts Festival en Californie et la Material Art Fair à Mexico.

Il est également le fondateur d’OBJETOS DE HOJALATA PARA EL HOGAR, une collection d’objets du quotidien fabriqués en acier galvanisé et produits dans un atelier traditionnel du centre-ville de Guadalajara. La collection revisite des objets ménagers courants — notamment des arrosoirs, des seaux, des vases, des bougeoirs et d’autres pièces fonctionnelles — en s’appuyant sur les outils, les matériaux et les méthodes de production propres à ce métier local. Le projet s’appuie sur une infrastructure de fabrication locale existante comme point de départ pour développer de nouvelles formes contemporaines, tout en créant des opportunités économiques durables pour les ateliers impliqués. La collection est distribuée à l’international par le biais d’une sélection de boutiques, notamment Jasper Morrison Shop à Londres, Pan After à Sydney, ATaw au Japon et Gardenheir à New York.

Dans son atelier, Fabien utilise le design pour donner corps à ses visions et à ses stratégies :

« Mon travail consiste à proposer une esthétique sans prétention, en phase avec un nouvel ordre de valeurs. Cela implique d’utiliser des éléments de la culture vernaculaire et des matériaux souvent négligés ou peu pris en compte, mais qui offrent des solutions pertinentes. Il ne s’agit jamais d’imiter, mais d’essayer de créer des objets et des lieux durables et culturellement significatifs pour les gens. »

Parallèlement à son activité en atelier, il a mené et publié des recherches sur la culture matérielle mexicaine, notamment dans les ouvrages Sillas Callejeras et Objetos de Resistencia. Il a également dirigé des projets universitaires et animé des ateliers au sein de plusieurs institutions internationales, notamment la Cranbrook Academy of Art, l’université de Californie à Berkeley, l’université nationale coréenne du patrimoine culturel, l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon et les Beaux-Arts de Marseille.

En 2024, Fabien était président du festival Design Parade à la Villa Noailles, en France, où il a transformé ce lieu culturel en un espace de rencontre, d’interaction et d’usage quotidien.

Ses œuvres font partie d’importantes collections internationales, notamment celles du SFMOMA à San Francisco, du Musée d’art contemporain de Denver et du Centre national des arts plastiques (CNAP) en France.

Résidente à La Becque - Semestre Printemps 2026

Vera van de Seyp est une designer informatique, artiste et enseignante originaire des Pays-Bas qui travaille à la croisée du graphisme et du code. Sa pratique se concentre sur les systèmes de conception générative, la typographie expérimentale et les outils personnalisés qui explorent comment l'informatique peut aider à façonner le langage visuel.

Le travail de Van de Seyp couvre des productions numériques et physiques, notamment des sites web expérimentaux, des outils en ligne, des imprimés, des événements de codage créatif et des textiles fabriqués à l'aide d'une machine à tricoter piratée.

Van de Seyp a collaboré avec des clients tels que WIRED, Signal et Google Creative Lab, ainsi qu'avec des institutions culturelles et universitaires, traduisant souvent des idées complexes en artefacts visuels accessibles. Parallèlement à son travail pour ses clients, elle développe des projets axés sur la recherche qui font le pont entre l'artisanat et l'informatique. Elle enseigne, donne des conférences et anime régulièrement des ateliers à l'échelle internationale, et plus récemment à la Cooper Union, à New York, où elle aide les gens à créer leurs propres outils.

Dans le cadre de sa résidence à La Becque, parallèlement à ses activités d'enseignement et de conférencière à l'ECAL, elle développera une nouvelle série d'œuvres qui reflètent ses recherches en cours sur l'artisanat et l'informatique.

Résidente à La Becque - Semestre d’Automne 2025

Jazmín López (Buenos Aires, Argentine) est cinéaste et artiste visuelle. Elle a participé à deux reprises au Whitney Independent Study Program (Whitney ISP) et est représentée par la galerie d'art Ruth Benzacar à Buenos Aires. Son travail a été exposé dans des lieux tels que la Fondation Pernod Ricard, le San Jose Museum of Art, l'OCAT, la Tabacalera, Kadist, la Biennale d'Istanbul et le KW Institute Berlin, ainsi que dans de grandes foires d'art comme Art Basel.
Ses films ont été projetés dans des festivals tels que la Biennale de Venise, le Festival international du film de Rotterdam, la Viennale, New Directors/New Films au MoMA et au Lincoln Center, au Centre Pompidou et au KW Institute Berlin. Le travail de López a été présenté dans des publications telles que Variety et The New York Times. Elle a également été membre du jury du BAFICI 2019, du FidMarseille 2023 et du Hubert Bals Fund 2025
Le Museum of Modern Art (MoMA) a récemment acquis ses films, et elle occupe un poste permanent au Sarah Lawrence College.

Basé à Brooklyn, New York, Charles Engman est un artiste, photographe, éducateur et directeur artistique de la marque de mode durable Collina Strada. Sa pratique multidisciplinaire examine les dimensions sociales et émotionnelles de l'imagerie et de l'hyper-visibilité dans la culture contemporaine, en mettant l'accent sur le corps en tant que site de médiation entre le soi et l'altérité.

Les travaux récents d'Engman intègrent l'IA générative, ce qui le place à l'avant-garde de l'exploration de la manière dont la technologie façonne et transforme les dynamiques visuelles et émotionnelles de la vie contemporaine. Son utilisation de l'IA interroge la façon dont les technologies désincarnées médiatisent les représentations du corps, de l'identité visuelle et de la production culturelle, offrant un aperçu critique de l'évolution des relations entre le travail, le capital et la créativité.

Engman est l'auteur de trois livres : MOM (2020), un projet de collaboration de longue date avec sa mère qui explore la représentation et l'intimité ; Hello Chaos : A Love Story - The Disorder of Seeing and Being Seen (2024), un livre de théorie critique défiant les genres et examinant la culture visuelle contemporaine ; et Cursed (2024), une monographie d'artiste entièrement créée avec l'IA générative.
En parallèle de ses projets créatifs, Engman travaille en tant que créateur d'images commerciales, principalement dans l'industrie de la mode, et il utilise cette pratique pour rechercher, explorer et s'engager dans le rôle de la publicité dans le façonnement de l'espace social et du sens contemporain du soi. Pour sa résidence à La Becque, il approfondira ces thèmes en développant un nouveau corpus d'œuvres qui reflètent sa recherche permanente sur la fabrication d'images, le corps et les économies de la visibilité.

Née en 1991 en Finlande, Sabrina Tarasoff est une écrivaine et critique d’art basée à Paris. Ses écrits ont été relayés dans de nombreuses et prestigieuses publications telles que Art Forum, Los Angeles Review of Books, X-TRA Contemporary Art Journal, et C Magazine. Ses essais en critique théorique, littérature et culture visuelle ont également été publiés dans les catalogues et livres de Inventory Press, American Art Catalogues, et Semiotext(e). Le domaine de recherche de Tarasoff se concentre sur le milieu culturel de Los Angeles dans les années 1980, et fut présenté à la biennale du Hammer Museum en 2020, a version ; un livre intitulé « Fantasyworld » contenant ses écrits est en cours de développement. Tarasoff est également l’éditrice de la première anthologie du poète Bob Flanagan « Fun To Be Dead: The Poems of Bob Flanagan », publié par la galerie Kristina Kite et Pep Talk.

Né en 1978, Alejo Moguillansky est un réalisateur, producteur, scénariste et monteur argentin dont les films ont été présentés, entre autres, au festival de Cannes, à la Berlinale, au festival de Locarno ou encore à la Viennale, et ont été l’objet de nombreuses rétrospectives. Cofondateur de la société de production El Pampero Cine et programmateur pour le festival VECINE, Moguillansky donne également des cours de cinéma à l’Universidad del Cine et l’Universidad Di Tella à Buenos Aires, où il est aussi membre de la Revista de Cine. Durant son semestre d’enseignement au sein du Département Cinéma de l’École cantonale d’art de Lausanne (ECAL), Alejo Moguillansky proposera notamment un workshop sur les processus de recherches de mise en scène, comme un générateur de nouvelles formes possibles pour la création cinématographique.

Basé à Londres, Philippe Malouin est un designer de produit et architecte d’intérieur britanno-canadien né en 1982. Diplômé de la Design Academy d’Eindhoven, il a également étudié à l’École nationale supérieure de création industrielle de Paris et à l’Université de Montréal.

Dans sa pratique, Malouin célèbre les formes géométriques, les matériaux naturels, les imperfections et les contrastes, créant des objets avant-gardistes qui lui ont valu de nombreuses récompenses, dont le prix Designer of the Future de W Hotels et le prix Best Use of Material de Wallpaper. Il est notamment reconnu pour la création d’objets d’art, d’installation et de mobilier tel que des tables, tapis, chaises et luminaires.

En tant qu'associé de Perron-Roettinger, le designer Brian Roettinger a travaillé sur des projets créatifs avec certaines des plus grandes marques et certains des plus grands musiciens du monde. Le travail de Roettinger est une union troublante de l'idéologie punk et d'un mode conceptuel de design moderniste. Il utilise fréquemment des stratégies architecturales telles que la répétition et la structure, tout en subvertissant ce sens de l'ordre en manipulant le processus de production de manière inattendue ou "erronée" (par exemple, en retirant la feuille de l'imprimante avant qu'elle ne soit terminée). Il continue à travailler avec une grande variété d'artistes et de marques en adoptant une approche holistique du processus de conception, de l'idée à la réalisation. Son travail est varié et couvre l'emballage d'albums, les publications, l'image de marque, les campagnes et la conception de produits. Il a été nommé pour de nombreux prix, dont trois Grammy's de la direction artistique pour l'emballage d'un album.

Yehwan Song, née en 1995, est une artiste, graphiste et développeuse web d'origine coréenne. Elle conçoit et développe des sites web expérimentaux et des graphiques interactifs basés sur la structure du contenu plutôt que sur des modèles statiques et des conventions de conception web. À travers ses projets, elle tente de renverser la compréhension générale de la conception web et de renverser les comportements courants en matière d'expérience utilisateur, qui simplifient à l'excès le comportement des utilisateurs. Elle privilégie la diversité à la cohérence et à l'efficacité.
Son projet en cours, Anti User-friendly, remet en question le concept d'ergonomie en créant une situation dans laquelle les utilisateurs doivent apprendre, explorer, comprendre et devenir conscients avant de pouvoir l'utiliser, au lieu de répéter le même comportement qu'ils ont été formés à faire, comme une forme de thérapie.

Irene Vlachou, née en 1981, est basée à Athènes, Grèce. Elle a obtenu une maîtrise en création de caractères à l'université de Reading en 2004. Elle a ensuite commencé à collaborer avec des fonderies de caractères et des sociétés internationales, en travaillant comme créatrice de caractères et comme consultante en caractères grecs. En 2012, elle a publié Colvert Greek avec typographies.fr. De 2013 à 2019, elle a été designer senior et experte en polices variables chez Type-Together. Elle participe depuis 2017 au Google Summer of Code au nom de la communauté grecque open source (GFOSS), en tant que mentor sur l'expansion des polices libres grecques. Elle travaille actuellement à plein temps en tant que freelance pour les polices grecques et variables pour la vente au détail et les polices OEM/Système. En 2017, en collaboration avec Laurenz Brunner, elle a conçu le pendant grec de la police d'identité de l'exposition Documenta14, Bradford Greek. Elle a lancé FauxFoundry (2019), en collaboration avec Laurence Penney, un service de webfontes utilisant la technologie des polices variables qui fournit des polices de repli automatiques lorsque la police principale manque de caractères. Elle enseigne au sein du Master en Type Design et du Bachelor en Design Graphique.

Natsuko Uchino est née en 1983 à Kumamoto, Japon. Elle vit et travaille dans le sud de la France. Elle est diplômée de la Cooper Union, New York en 2007 et du programme de recherche du Centre pour l’Art Contemporain Kitakyushu, Japon en 2012. Natsuko Uchino est une artiste dont la pratique se définit par des expériences dans les domaines de l’agriculture et de l’artisanat. Elle allie ces disciplines en réévaluant les techniques de production par la collaboration, la convivialité et l’échange. Natsuko Uchino développe une pratique transversale allant de l’art à écologie. Ses installations et performances allient aux matériaux multiples de la sculpture, l’image, l'objet fonctionnel et le vivant. Elle a enseigné dans le cadre du Master en Arts Visuels de l'ECAL avec Matthew Lutz-Kinoy.

Né en 1984 à New York (États-Unis), Matthew Lutz-Kinoy vit et travaille à Los Angeles (États-Unis) et à Paris (France). Travaillant à travers différents médiums dont la sculpture, la gravure, la céramique et la peinture, l'allégeance de Matthew Lutz-Kinoy n'est pas fixée à un seul médium mais dépend de leurs développements communs dans la forme et d'une simultanéité dans la pratique. Il a enseigné dans le cadre du Master en Arts Visuels de l'ECAL avec Natsuko Uchino.

Wataru Kumano est un designer de produit japonais. Après des études à Aalto University (FI), Kumano travaille pour le studio tokyoïte de Jasper Morrison. Il a depuis créé son propre bureau de design « kumano ». En 2021, il est nommé professeur à Musashino Art University. Ses créations simples et fonctionnelles sont inspirées des techniques finlandaises du travail du bois ainsi que de l’artisanat traditionnel japonais. Kumano intervient au sein du Bachelor Design Industriel de l’ECAL pendant le semestre de printemps 2021. En parallèle, lors de son projet de résidence, il examinera les artisanats du bois suisses et japonais afin de conceptualiser des nouvelles formes à mi-chemin entre nature, tradition et usage au quotidien.

Danielle Lessovitz, réalisatrice et scénariste basée à Brooklyn (New York), enseignera au sein du département Cinéma de l’ECAL pendant le semestre d’automne 2020-2021. Pendant son séjour à La Becque, elle travaillera également sur ses futurs projets de films. Sa pratique oscille entre la réalisation de films et la conception d’installations artistiques ou vidéo. Ses projets traitent principalement des communautés marginalisées et elle y inclut souvent des act.eur.rices non-professionnel.le.s

Mario de Vega, artiste sonore mexicain basé à Berlin, nous a rejoint d’octobre 2019 à février 2020. Sonorité, présence et invisibilité sont les points de départ de son travail et de sa recherche artistique. Il est intervenu dans le cadre des BA et MA Arts Visuels ainsi qu’en BA Media & Interaction Design.

Mitch Paone, partenaire et directeur artistique de l’agence créative DIA Studio, basée à Brooklyn. Spécialisé en design cinétique, graphisme et typographie, Mitch Paone a été invité à passer quatre mois à La Becque, où il développera un projet de recherche tout en intervenant à l’ECAL dans le cadre du Bachelor en Design Graphique et du Master en Design Typographique, durant tout le semestre de printemps 2019.

Simone C. Niquille, designer et chercheuse suisse basée à Amsterdam, était Résidente ECAL de février à juillet 2020, en collaboration avec François Zajéga, un artiste-programmeur vivant et travaillant à Bruxelles. Le studio de Simone C. Niquille, Technoflesh, explore la représentation de l’identité ainsi que la numérisation croissante de la biomasse à l’époque du paraitre virtuel et connecté. Elle est intervenue dans le cadre du MA Photographie, sur le projet de recherche Automated Photography, ainsi qu’en BA Media & Interaction Design. François Zajéga, quant à lui, a commencé sa carrière professionnelle en tant que webdesigner et webdeveloper au début des années 2000. Il a ensuite rejoint l'institut Numediart de l'Université de Mons (BE) en tant que chercheur spécialisé dans le traitement vidéo et l'interaction homme-machine. Simultanément, il expose son travail dans divers festivals et galeries en Europe. Très impliqué dans les logiciels libres et la culture libre, il enseigne la programmation dans l’art et les jeux vidéo dans plusieurs institutions académiques.

François Zajéga, a commencé sa carrière professionnelle en tant que webdesigner et webdeveloper au début des années 2000. Il a ensuite rejoint l'institut Numediart de l'Université de Mons (BE) en tant que chercheur spécialisé dans le traitement vidéo et l'interaction homme-machine. Simultanément, il expose son travail dans divers festivals et galeries en Europe. Très impliqué dans les logiciels libres et la culture libre, il enseigne la programmation dans l’art et les jeux vidéo dans plusieurs institutions académiques.

La pratique artistique de Clemens Fischer utilise des appareils d'imagerie comme systèmes opérationnels qui servent de médiateurs dans la relation entre les images et leurs spectateurs. Son travail examine les conditions techniques et spatiales dans lesquelles les images sont produites, diffusées et perçues. Grâce à une méthodologie expérimentale, il construit des installations et des configurations expérimentales qui combinent des éléments photographiques, cinétiques, hydrauliques et pyrotechniques. En déployant des appareils analogiques et des automates, Fischer interroge la logique opérationnelle des régimes d'images numériques, mettant en avant la contingence, l'humour et les moments d'instabilité structurelle.

Benjamin Fanni est né en 1985 dans une famille de scénographes et de gens du voyage, artistes de cirque.

Il est diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 2009 et de l’Ecal en 2022. En 2009, il fonde le Studio Johnny Brecht dédié au design intérieur et à la scénographie pour les arts vivants, la mode et le cinéma.

En parallèle, depuis 10 ans, il a développé une pratique de l’art contemporain qui a donné lieu à plusieurs expositions individuelles et collectives en France (GAM galerie, Hôtel Occidental, Poush), en Belgique (Leaving Living Dakota) et en Suisse (Centre d’art de Circuit, Valentin 61). Sa pratique mêle peinture, sculpture, musique, écriture et performance. A travers une approche radicalement conceptuelle et poétique, il explore la figure universelle du fantôme et cherche à démanteler les mythologies qui accompagnent notre rapport à l’invisible. En 2021, dans la cadre de son Master à l’Ecal, son travail est récompensé par la Bourse pour le Talent et la Créativité du Casino Barrière de Montreux.

En 2023, il collabore avec les metteurs en scène Alexandre Montin et Maxine Reys pour créer Amazing Journey, une ballade sonore participative sur la thématique du fantôme et de la réparation. La performance sera montrée successivement au Festival du Belluard en 2024 et au Castrum en 2025 (Suisse). Benjamin Fanni vit et travaille à Paris et à Lausanne.

Loucia Carlier est une artiste et éditrice française, née en 1992 à Paris. Elle est diplômée du Master Arts Visuels – European Art Ensemble de l’École cantonale d’art de Lausanne en 2017. Elle est lauréate de la bourse Révélation Émerige en 2020, résidente de la Villa Belleville en 2023 et actuellement en résidence à la Cité internationale des arts à Paris.

Des images, des symboles, des objets et des textes s’assemblent par gaufrage, impression et modelage à la surface de ses œuvres, entre sculpture et peinture. Ces compositions forment des paysages hybrides d’une post-humanité en cours de réorganisation. Un réseau d’images archétypales et d’éléments organiques vient boursoufler et travailler de l’intérieur chacune de ses pièces, où s’ouvre alors, par percées, la possibilité d’une cosmologie subjective, relative et résiliente. L’interdépendance du corps et de l’environnement n’est pas forcément des plus réjouissantes à l’ère du capitalisme, du patriarcat et de la crise écologique, son travail raconte les angoisses sous-jacentes d’une génération née dans les années 90. Des grottes, des parties de corps, des architectures mêlées à une imagerie médicale, ufologique ou encore psychédélique se retrouvent imprimées et sculptées à la surface de ses pièces. Parfois rehaussées de maquillage, ses œuvres sont comme une seconde peau : réactives aux agressions extérieures et aux inflammations intérieures que l’on s’acharne tant bien que mal à camoufler.

Son travail fait régulièrement l’objet d’expositions personnelles et collectives (Le Nouveau Printemps de Toulouse, CAC Brétigny, Salon de Montrouge, Villa Belleville, Swiss Art Awards, Ateliers de la Ville de Marseille, Forde, Centre d’art contemporain de Genève, Villa Noailles, Villa Emerige, High Art, Ferme de la Chapelle, Wallriss, Hamlet Zurich, Art:Concept, Artgenève, Musée des Beaux-Arts de Lausanne...). En parallèle de sa pratique artistique, elle co-dirige depuis 2018 la revue indépendante Klima. Dédiée à la rencontre entre création artistique contemporaine, recherche universitaire, sciences sociales, politiques et savoirs militants, la revue se développe également sous la forme de lancements, journées d’étude, salons littéraires, expositions et foires (Voiture 14, Foire d’Artorama à Marseille, Octobre Numérique à Arles, Foire Paris Internationale, Salon de Normandy à Paris, Liste à Bâle, Foire d’Art Genève, Offprint Paris/Londres, The Salon Nada & The Community à Paris, Forde Genève...).

Né en 1993, Thaddé Comar est un photographe franco-suisse diplômé de l’ECAL en 2018. Son travail explore les dynamiques sociales et politiques contemporaines, avec un intérêt particulier pour les mouvements de contestation. Il a notamment consacré plusieurs années à documenter la mouvance black bloc à Paris. En 2022, il publie How Was Your Dream ? (Mörel Books), un ouvrage sur les manifestations de Hong Kong entre juin et octobre 2019, portant sur les nouvelles formes d’insurrection dans les sociétés de contrôle. Ses photographies ont été régulièrement exposées, notamment aux Rencontres d'Arles, au Centre Photographique de Genève, a Art Basel, ou a la Librairie 7L. Il vit actuellement à Paris.